^Back To Top

L'art contemporain

Peinture contemporaine et art contemporain

 

Que veut dire « peinture contemporaine » ?
Tout peintre vivant est un peintre contemporain mais cette affirmation est elle valable en tant que telle dans notre monde artistique ? je dirais plutôt que les artistes qui cherchant et parvenant à produire des oeuvres dépassant les habitudes du passé seront considérés comme artistes contemporains . L'artiste peintre qui ouvre de nouveaux espaces à la peinture fait de la peinture contemporaine. Celui qui peint des paysages comme nos peintres anciens accompliront certainement de très belles oeuvres mais ce terme lui sera refuser.


La peinture contemporaine est une des branches de l'art contemporain . L'art actuel est en plein débat quand il ne reconnaît plus la peinture comme un art à part entière, quand il voit dans la peinture un art du passé.

Les peintres ont-ils tout essayé, et la peinture est-elle devenue un media artistique obsolète?

Les époques changent, l'actualité, le regard sur la vie, la société.... la nature évolue, la source de création est un don inépuisable. La peinture a toujours été un média important et a toujours joué un rôle de messager. C'est dans le décallage avec les idées imposées que les nouveaux peintres comme les anciens à leur époque, peuvent créer une nouvelle forme de peinture contemporaine.

La peinture contemporaine , à quoi ressemble-t-elle aujourd'hui ?
Chaque jour l'artiste contemporain gagne son présent. Le passé qui l'a nourri ne peut suffire : il se doit de conquérir l'instant qui passe. Si la chance lui fait cortège, son travail d'artiste sera vision d'un possible devenir. Il n'a pour véritable outil que sa foi dans l'art et l'amour de son métier. Les concepts les plus sophistiqués ne sont que des béquilles qu'il lui faudra lâcher à chaque oeuvre . Les habitudes, rituels dérisoires, lui feront dans le meilleur des cas gagner un peu de temps, peut-être même un peu d'argent...

À quoi ressemblera-t-elle demain ?
«Demain est beaucoup trop loin. Parlons de ce soir, ma toile sera peut-être terminée». Le style de l'artiste contemporain est évolution, attente, remise en question, changement de formes, de formats, d'approche ou de sujet... Tentatives de rencontre au présent, pour le dire autrement, sans fantasmer. La réalité du trait, de la couleur et de la matière doivent permettre à la lumière de vivre dans l'oeil de l'autre : celui qui regarde.
(passage d'article intéressant pris je ne sais plus où sur internet : si cette personne reconnait son article qu'elle me contacte et je le ferais disparaitre si elle le désire ou lui mettrais un lien sur son site)

Le principal est et sera toujours je pense que l'art fasse appel à l'émotion beaucoup plus qu'à la raison : son domaine est l'âme et non l'intellect. Si comprendre une oeuvre est la décortiquer afin de comprendre son sens premier, le sentiment artistique sera occulté. Une peinture ou une sculpture devra donc susciter une impression d'esthétique et de beauté au moment même où on la regarde. Réfléchir sur la technique employée, comprendre comment l'artiste a réalisé son oeuvre peut intervenir mais après !

L'art est l'expression des oeuvres divines à travers les oeuvres des hommes et ce qui se fait de nos jours dans notre art contemporain est trop souvent l'expression des méandres du mental humain et si par chance pour ce ou ces artistes une personnalité influente apprécie son art, il est promulgué et classé artiste...... l'art est devenu un produit de marketing et de consommation. L'argent, la mode, le snobisme..... exercent une influence pernicieuse sur l'art. Mais me direz-vous il en faut pour tous les goûts et je vous répondrez ma pensée est telle je ne l'impose pas.

Je travaille beaucoup la peinture avec les enfants qui n'ont rien à envier à certains tableaux .... Une histoire récente et où je ne citerai aucun nom car tout le monde est à mon sens libre..... Un grand artiste a peind une toile blanche : quelqu'un s'est agenouillé en pleurant d'émotion et a touché la toile : scandale et procès envers cet admirateur car en touchant l'oeuvre elle l'a entachée !

Cette histoire résume un peu le marcher de notre art contemporain.

Mais l'art contemporain actuel peut-être aussi fabuleux et très inspirant.

 

La transition de l'art moderne et contemporain

 

Peut-on parler de transition à notre art contemporain du 20e siècle ? Non pas vraiment de transition : celui-ci se trouve puiser dans tout le 19e sciècle et dans les voies nouvelles qu'il contribué à ouvrir. Il n'y a pas de rupture non plus entre l'art ancien et l'art moderne. Tous ces artistes contemporains sont tributaires de leurs prédécesseurs. Tout se révèle être une évolution dans une direction ou une autre mais cette évolution est inspirée de l'ancien. Il n'y a pas de rupture pour Matisse et Picasso, ceux qui vont dominer la première moitié du 20e siècle, par exemple. En effet, ils se révèlent tributaires de leurs prédécesseurs, et en particulier de Puvis de Chavannes à qui ils resterons fidèles. L'ampleur des compositions de cet artiste, son sens du rythme, son traitement de l'espace, son jeu sur les lignes, son emploi particulier de la couleur, sa stylisation, imposent son art comme modèle.

 

L'impression n'aurait jouer pratiquement aucun rôle dans l'apparition progressive et le développement de l'art moderne. Comptent en effet Georges Seurat et Paul Signac avec leur traduction scientifique de la lumière et du rythme ; Paul Gauguin avec ses formes stylisées et artificiellement colorées, Vincent Vang Gogh y exerçant une influence relative, puis plus explicite avec le développement postérieur de l'expressionnisme ; Paul Cézanne enfin, à la suite de sa rétrospective posthume au Salon d'Automne en 1907, où son génie de la construction et de la clarté s'imposeront de façon définitive.

 

Les Nabis à leur tour, emmenés par Maurice Denis, grâce à leur sens de la synthèse et leur goût de l'art décoratif, auront une action déterminante à la fin du 19e siècle et au début du 20e siècle.

 

Le symbolisme, sous ses aspects, qu'il se réclame de Gustave Moreau et d'Odilon Redon, de Paul Gauguin et d'Emile Bernard, ou de Gustav Klimt et de Ferdinand Hodler, des Nabis eux-mêmes, avec la figure tutélaire de Puvis de Chavannes, imprégnera les courants artistiques de tous les pays. Le point commun de ces tendance, traduit une préoccupation, à l'opposé du réalisme impressionniste : celle de la stylisation et de l'idéalisme.

 

Le mouvement fauvisme mettra l'accent sur l'exaltation de la couleur au détriment, pendant un court laps de temps, de la ligne et de la forme, comme en témoignent certaines peintures d'Henri Matisse, de Maurice de Vlaminck et d'André Derain. Puis Matisse, indépendant, poursuivra l'exploration des thèmes qui lui sont propres, la ligne et la surface, davantage que la couleur et la lumière, et sûrement le rythme, avec ses compositions monumentale de la Danse et de la Musique.

 

Le cubisme de Picasso et de Braque qui suivra immédiatement le fauvisme, en référence à Cézanne, privilégiera de son côté la structure et le rythme et, dans sa période analytique, offrira un bouleversement total de la vision, bientôt accompagné d'une véritable révolution dans le mode de création avec l'invention en 1912 du papier collé. Cette technique du papier collé connaîtra une fortune inouïe dans l'art du 20e siècle, à l'origine du collage, du ready made, de l'assemblage, du happening, depuis el futurisme jusqu'au Pop-Art, en passant par Kurt Schwitters.

 

Picasso et Braque, aux côtés desquels se placent Juan Gris, puis les sculpteurs Henri Laurens et Jacques Lipchitz, ne sont pas les seuls acteurs qui ont compté dans le cubisme. Venant d'autres horizons, Robert Delaunay fait montre de préoccupations différentes dans sa recherche de la traduction de la lumière et du mouvement avec son tableau Equipe de Cardiff, tout comme Sonia Delaunay, avec Prismes électriques et Francis Picabia avec Udnie, au point que Guillaume Apollinaire regroupe leurs oeuvres sous le terme d'orphisme, pour bien marquer leur spécificité, à laquelle Frantised Kupka, venu du symbolisme et d'Europe centrale, participe élalement avec son chef d'oeuvre Amorpha Fugue à deux couleurs, l'un des tout premiers tableaux franchement abstrait à être exposé au public. Fernand Léger et marcel Duchamp, le sculpteur Raymond Duchamp-Villon cherchent aussi à représenter le mouvement des formes dans l'espace, ce qui constituera le grand thème que le futurisme ai illustré, après que Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà et Gino Severini se soient appropriés le language du cubisme. Piet Mondrian à son tour en 1911-1912 se ralliera à cet art, auquel il donnera quelques uns de ses plus grands chefs d'oeuvre et qui lui permettra de deenir l'un des premiers peintres abstraits, alors que kasimir Malévitch sera plus redevable au cubo-futurisme. Le cubisme et les conséquences qui en découlent dans leur diversité et en particulier dans la naissance de l'art abstrait, sont de premiè_re importance pour tout le déroulement de l'art moderne.

 

L'apport de Constantin Brancusi sera aussi déterminant pour l'évolution de la sculpture. Symboliste, marqué par Médardo Rosso, il va épurer son langage en simplifiant les formes jusqu'à ce qu'elles deviennent des volumes simples à la surface polie De Jean Arp à Max bill en passant par Henry Moore, sa postérité est immense.

 

Une autre tendance, l'expressionnisme, légèrement postérieure au fauvisme, se manifestera au même moment à Dresde puis à Berlin. Avec Ernst-Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Max pechstein, l'accent est mis sur l'expressivité par le moyen de la déformation et de l'exégération de la couleur, du dessin et du clair-obscur. Pour en connaître les tenants, il faut les chercher chez Edvard Munch, Ludwig Von Hofmann et Lovis Corinth, c'est à dire au 19e siècle. Les aboutissants se retrouvent à travers tout le 20e siècle, jusqu'à Georg Baselitz et Anselm Kiefer.

 

La lumière, la couleur, le rythme constitueront aussi les préoccupations majeures des artistes russes et allemands installés en Bavière et en Rhénanie : membres du groupe du Cavalier bleu, marqués notamment par Robert Delaunay, Vassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, ainsi que Paul Klee, vont se tourner vers l'abstraction.

 

La période qui va de 1895 à 1914, en particulier depuis la création en 1907 des Demoiselles d'Avignon par Picasso, se montre particulièrement riche en évènements décisifs : la grille cubiste est mise au point et à sonusage perdurera à travers tout le siècle, l'invention du papier collé bouleversera la pratique artistique, tandis que la tendance générale, ce que Matisse lui-même traduira dans son magistral tableau de 1916 la leçon de piano, se portera de plus en plus vers l'abstraction. Dans le même temps, la photographie, emmenée par Alfred Stieglitz, commence à revendiquer un statut artistique grâce au pictorialisme et montre sa capacité à inventer du nouveau avec Eugène Atget dont l'oeuvre marquera de nombreuses générations jusqu'à Walker Evans. L'art de l'affiche, qui aura tant d'importance dans la vie quotidienne pendant les trois premiers quarts du 20esiècle, voit débuter son aventure avec Toulouse-Lautrec. Extrait de l'art moderne et contemporain sous la direction de Serge Lemoine.

Nous avons 3 invités et aucun membre en ligne

Compteur d'affichages des articles
593446
Copyright © 2013. Galerie de peintures  Rights Reserved.